Średniowieczny kostium taneczny
Związek między tańcem a kostiumami tanecznymi jest złożony i nie tylko odzwierciedla praktykę taneczną w określonym okresie, ale także zachowania społeczne i wartości kulturowe. Stroje taneczne można podzielić na następujące kategorie: kostiumy historyczne, ludowe lub tradycyjne, balowe, nowoczesne i muzyczne do tańca. Wpływy rozprzestrzeniły się z mody na taniec iz powrotem.
Historyczne kostiumy taneczne
Od XV do XVIII wieku uroczystości na dworach europejskich wymagały bardzo wyszukanych strojów tanecznych. Styl dworskich strojów tanecznych był zbliżony do stroju codziennego z epoki, w skład którego wchodziły m.in. sznurowane gorsety, bufiaste i rozcięte rękawy, farthingale ze spódnicami i stosowane zdobienia. Na początku XXI wieku reprodukcja kostiumów do tańca historycznego była widoczna w działalności organizacji tańca historycznego, takich jak Institute for Historical Dance Practice (IHDP) w Gandawie w Belgii.
Powiązane artykuły
- Wybierz kostiumy taneczne
- Meksykańskie kostiumy taneczne
- Stroje do tańca współczesnego
Stroje do tańca ludowego
Bawarski strój do tańca ludowego
Od XV wieku w Europie stale rozwijał się taniec ludowy. Dziedzina europejskich strojów ludowych jest bardzo złożona, ponieważ każdy region kraju ma swoje własne tańce, stroje i obyczaje. Wschodnioeuropejskie tańce ludowe, takie jak czardy, mazurki i polki, szybko rozprzestrzeniły się na Anglię i Francję. Stroje do tańca ludowego odzwierciedlały wschodnioeuropejski wygląd poprzez użycie jasnych kolorów na ciemnych tłach. Kostiumy były często bardzo ozdobione koralikami, metalowymi i jedwabnymi nićmi. Podstawowy strój kobiecy to krótka, jasna koszulka i halka, na którą nałożono kilka warstw materiału. Udrapowane nakrycie głowy wskazywało na stan cywilny noszącego (wymyślne nakrycie głowy wskazywało, że dziewczyna była niezamężna). Europejski taniec ludowy stanowił podstawę do działań tanecznych w kwadracie. Europejscy osadnicy, którzy przybyli do Ameryki, wprowadzili ten szczególny rodzaj tańca wiejskiego i jego kostium najpierw w Nowej Anglii, ale wkrótce taniec kwadratowy zaczął rozprzestrzeniać się w całym kraju. Suknia wieczorowa była standardowym strojem dla tancerzy: spódnice do kostek dla kobiet i formalne marynarki dla mężczyzn. W ciągu następnych dwóch stuleci mieszanka kulturowa europejskich osadników w Ameryce doprowadziła do powstania różnorodnych narodowych strojów do tańca ludowego. Farmerskie i kowbojskie stroje taneczne opierały się głównie na elementach codziennego ubioru: koszulach, bawełnianych spodniach i kowbojskich butach dla mężczyzn oraz bawełnianych sukienkach w kratkę do kostek dla kobiet. Menuet, polka, walc i kadryl przez Francję i Anglię przywiozły do Ameryki bardziej wyszukane kostiumy taneczne: dopasowane koszule i spodnie z długimi rękawami w zachodnim stylu dla tancerzy oraz pełne kwieciste spódnice i bluzki dla kobiet. Dodatki, takie jak zachodnie paski, sznurki czy jedwabne chustki dopełniały stroju do tańca w kwadracie.
jak czyścić podłogi z płytek octem
Pod koniec lat 90. wysokiej klasy projektanci, tacy jak Dolce & Gabbana, Roberto Cavalli i Miu Miu, stworzyli „miejski styl kowbojski” z inspirowaną Zachodem sukienką ozdobioną kwiatowymi wzorami na takich artykułach, jak smokingi i dżinsy, jak a także tradycyjne kowbojskie buty ze szpiczastym noskiem.
Na początku XXI wieku amatorskie i profesjonalne tancerki w kwadracie często noszą spódnice z podwójnymi zawijasami z naprzemiennymi marszczeniami w tkaninie i szeroką białą koronką. Na staniku i rękawach zastosowano koronkę, a na dopasowanym brzuchu wszyta jest aplikacja i kokardka. Męscy tancerze w kwadracie noszą koszule w stylu kowbojskim z szalikiem zawiązanym wokół kołnierza, dżinsy z wysokimi kieszeniami, a czasem kowbojski kapelusz. Mankiety do spodni są zwykle noszone wewnątrz kowbojskich butów. Broszura United Square Dancers of America (USDA), Strój do tańca kwadratowego , jest prawdopodobnie najlepszym źródłem informacji o historii kostiumów do tańca kwadratowego.
Kostiumy do tańca brzucha
Tancerki brzucha
Taniec orientalny, czyli brzucha, wywodzi się z wężowych ruchów wykonywanych przez siostry rodzącej kobiety, które starały się zainspirować ją do porodu. W 1893 roku taniec brzucha został sprowadzony ze świata arabskiego do Stanów Zjednoczonych z okazji Światowych Targów w Chicago. Charakterystyczne dla tego stylu są tkaniny w egzotycznych kolorach, haftowane kamieniami półszlachetnymi, pailety i koraliki. Półprzezroczyste bluzki z frędzlami odsłaniają brzuch i pępek, podczas gdy biustonosze i zawiązane spódnice kołyszą się rytmicznie w rytm muzyki Bliskiego Wschodu. Pasy na monety i chusty na biodra są niezbędnym elementem stroju do tańca brzucha. Czasami tancerki brzucha zakrywają twarz welonem, zwłaszcza gdy taniec wykonywany jest przez tancerza płci męskiej (cross-dressing). Alternatywnie, noszone są tuniki wysadzane koralikami i cekinami sięgające od ramion do podłogi na haremowych pantalonach. Historycznie, dowody wskazują na decydujący wpływ islamskiego orientalizmu na europejską modę w XX wieku, począwszy od wykorzystania przez francuskiego projektanta Paula Poireta fasonu tuniki i aktualizacji staromodnych stylów za pomocą egzotycznych haremowych spodni i welonów owiniętych wokół ciała w latach 20. . W latach 90. kolekcje prêt-à-porter i haute couture zachodnioeuropejskich i amerykańskich projektantów, takich jak Miguel Adrover, Jean Paul Gaultier, John Galliano, Alexander McQueen i Rifat Ozbek, były inspirowane orientalnymi kostiumami do tańca brzucha. Nancy Lindis Farne-Tapper's
Języki ubioru na Bliskim Wschodzie jest szczegółowym źródłem o strojach Bliskiego Wschodu zarówno w starożytnym, jak i współczesnym świecie.
Stroje do tańca towarzyskiego
Tancerze balowi
Od początku dziewiętnastego wieku tańce towarzyskie zajęła szeroka publiczność, a na te okazje projektowano specjalne suknie wieczorowe. Walc, fokstrot, polka, mazur i walc wiedeński wymagały eleganckiego stylu. W XX wieku stroje taneczne do tanga, swingu i latynoski, Charleston, rumba, bolero, chacha, mambo i samba były bardziej erotyczne.
Kostiumy do tańca współczesnego
Na początku XX wieku naturalne ruchy Isadory Duncan na scenie wyznaczyły nową erę tańca. Współczesny styl tańca Duncana był pod wpływem sztuki greckiej, tańców ludowych, tańców towarzyskich i atletyki. Swobodne kostiumy i rozpuszczone włosy pozwalały na dużą swobodę ruchów tanecznych. Po I wojnie światowej powstały zespoły tańca współczesnego, w których przeważały tancerki. W ciągu następnych dziesięcioleci awangardowi choreografowie, tacy jak George Balanchine i Martha Graham, a później Merce Cunningham, Paul Taylor, Alvin Ailey i Pina Bausch, zreformowali i zliberalizowali tradycyjny taniec i jego kostiumy. Odchodząc od tradycyjnych technik baletowych, taniec nowoczesny zapoczątkował nową erę kostiumów. Kostiumy i makijaż przybrały uniseksowy wygląd, ponieważ choreografowie uważali, że mniej istotne jest rozróżnianie tancerzy płci żeńskiej i męskiej. Projektanci teatralni eksperymentowali z półnagimi kostiumami: przezroczyste T-shirty i krótkie czarne spodenki dla mężczyzn oraz proste staniki i gładkie rajstopy dla kobiet były standardowymi strojami.
W 1934 roku choreograf tańca neoklasycznego George Balanchine jako pierwszy ubrał tancerzy baletowych w stroje próbne do występów publicznych. Kostiumy Balanchine'a charakteryzowały się użyciem niekolorów, które prawie zawsze były czarno-białe. Jego zmysł do minimalizmu na scenie rozwijał się poprzez ujawnianie nagości.
Profesjonalna i amatorska suknia balowa
Tancerze tanga
jaka rasa psa ma najsilniejszy zgryz
Sukienka Tango:
Zwykle jeden kawałek z obcisłą górą i odchylającym się dołem, wysoko rozciętym, aby odsłonić nogę. Zastosowane materiały rozciągliwe gwarantują ciasną sylwetkę. Suknia taneczna jest często bardzo ozdobiona cyrkoniami, koralikami, brokatem i błyskotkami.
Sukienka swingowa i latynoska:
Bardzo podobne do sukienek do tanga, ale znacznie krótsza linia dołu sprawia, że sukienka jest bardziej seksualna i może odsłonić całą nogę. Nadruki zwierzęce, takie jak tygrys czy lampart, potęgują dziką konotację tych sukienek.
Sukienka do walca i lisiego kłusa:
Elegancka sukienka jednoczęściowa często szyta z drogiego lekkiego jedwabiu lub satyny. Szeroko rozchwiany, sięgający kostek styl intensyfikuje delikatne ruchy tych tańców.
Sukienka Charleston:
Niezbędną swobodę ruchów gwarantowały sięgające kolan sukienki koszulowe haftowane szklanymi koralikami i paillettes. Lekka sukienka i długie frędzle sprawiły, że kołysał się rytmicznie zgodnie z ruchami tańca, który był częścią stylu życia ryczących lat dwudziestych i stał się najpopularniejszym amerykańskim tańcem w Niemczech i Europie; wielkie podziękowania dla Josephine Baker, która wystąpiła w 1927 roku ze swoim Charleston Jazz Band w Berlinie.
Sukienka Polka i Mazurka:
Folklorystyczny strój ludowy z kolorowymi nadrukami, zwykle chłopska bluzka i zawijana spódnica ozdobiona bogatymi falbankami i girlandami. W latach 70. chłopskie bluzki stały się bardzo modne w codziennych ubraniach, a wysokiej klasy projektanci, tacy jak Emilio Pucci, projektowali ubrania w stylu etnicznym z haftami i falbankami. Kwieciste bluzki chłopskie z miękkimi marszczonymi brzegami odżyły pod koniec lat 90., kiedy marki projektantów, takie jak Yves Saint Laurent, Dolce & Gabbana, Moschino i Christian Dior, stworzyły folklorystyczny motyw mody.
Sukienka Rumba i Samba:
Z kontrastowymi marszczeniami na spódnicy i rękawach, ta sukienka jest często projektowana w stylu karaibskim w jasnych kolorach.
Sukienka Cha-Cha:
Dwuczęściowa sukienka z obcisłą górą i szerokim dekoltem odsłaniającym ramiona, natomiast spódnica jest pełna i falbaniasta na dole. Cyrkonie są zwykle przymocowane do tkaniny, aby uzyskać efekt glamour.
Martha Graham była jedną z pierwszych, które promowały taniec bez pointy na scenie. W Przekierowanie Aniołów (1948), ubierała tancerki w draperie, a mężczyźni byli prawie nadzy. Inspirowane Isamu Noguchi specjalne korony i szpilki Grahama stały się szczególnie sławne jako część stroju do tańca współczesnego. Nowe w wentylowanych krojach spódnice i sukienki taneczne wyglądają jak spodnie, co pozwala na dużą swobodę ruchów. Na początku tańce Graham były wykonywane na gołej scenie, co podkreślało minimalizm, jaki demonstrowała w kostiumach. Później tradycyjne tuniki baletowe tancerzy oraz stroje ludowe i tutus tancerek zastąpiła prostymi, często ciemnymi i długimi koszulami lub trykotami do ćwiczeń. Nagrodzona Medalem Wolności w październiku 1976 roku, Martha Graham była pierwszą tancerką, która otrzymała to wyróżnienie.
W latach pięćdziesiątych kostiumy choreografów tańca współczesnego zorientowanych na Balanchine i Grahama, takich jak Merce Cunningham i Paul Taylor, nadal kładły nacisk na styl półnagi, chociaż nadruki na trykotach personalizowały indywidualny styl tańca współczesnego i jego kostiumy. W 1958 roku artysta Robert Rauschen-berg stworzył błyszczące, jedwabiste rajstopy w tęczowe kropki dla Cunninghama. Letnia przestrzeń. Projekty choreografa i projektanta kostiumów Alwina Nikolaisa wpłynęły na współczesną scenę takimi spektaklami, jak Noumenon Mobile (1953) i Wizerunek (1963).
co oznacza ciemnoniebieski na pierścieniu nastroju
Stroje muzyczno-taneczne
Dowody na istnienie teatrów muzycznych datują się na XVIII wiek, kiedy w Wielkiej Brytanii, Francji i Niemczech pojawiły się dwie formy tego spektaklu pieśni i tańca: ballady, takie jak opery Johna Gaya. Opera Żebracza (1728), a później opery komiczne, m.in Czeska dziewczyna (1843). W tym czasie wiele sztuk miało krótkie serie, a kostiumy sceniczne często opierały się na codziennych strojach. Pod koniec lat 80. XIX wieku opery komiczne podbiły Broadway w Nowym Jorku i wystawiane są m.in Robin Hood , zostały zaprojektowane z myślą o popularnych odbiorcach. Od lat 80. XIX wieku do lat 20. XX wieku pojawił się gatunek komediowo-muzyczny w Londynie, a projektanci tacy jak Lady Duff-Gordon, znana jako Lucile, opracowali modne kostiumy dla śpiewaków i tancerzy. Na początku lat 20. spopularyzowano techniki stepowania, a specjalnie zaprojektowane buty do stepowania były dostępne na wolnym rynku.
Mężczyźni w rajstopach: męski tancerz
W Rosji tancerze płci męskiej są wysoko cenieni, a zwykle klasyczny trening baletowy jest podstawą kariery tanecznej. Chociaż wśród chłopców w innych krajach rośnie zainteresowanie tańcem, wielu z nich jest zbyt nieśmiałych, aby brać lekcje tańca i musi nosić rajstopy, powszechnie uważane za kobiecy element garderoby. Dlatego niektóre szkoły tańca pozwalają młodym studentom ćwiczyć w koszulkach i krótkich spodniach. Pod ubraniem treningowym tancerze zwykle noszą suspensorium, mające na celu odizolowanie i podtrzymanie jąder. Alternatywnie pod rajstopami można nosić pas taneczny, specjalistyczną bieliznę. W obu przypadkach worek z przodu jest trójkątny, ciasny i prawie płaski, aby zapewnić wsparcie i kształt podczas ruchów tanecznych. Temat męskości w tańcu był często poruszany w takich filmach jak Dzieci z Teatru Street (1977) czy Billy Elliot (2000). Książka Ramsaya Burta The Male Dancer zgłębia temat męskości w tańcu.
Buty do stepowania: słynne dźwięki
Początki stepowania, stylu amerykańskiego tańca teatralnego z perkusyjną pracą nóg, sięgają tańców niewolników w południowych stanach, które na początku XIX wieku włączyły afrykański ruch i rytm do europejskich jigów i kołowrotków. Stepowanie zaadoptowano w teatrach od 1840 roku, a coraz bardziej popularne stało się zatykanie butów ze skórzanymi podeszwami. Na przełomie wieków na fin-desiècle powstały dwa różne style butów do stepowania: sztywne buty na drewnianej podeszwie, zwane również buck-and-wing, spopularyzowane przez duet Jimmy Doyle i Harland Dixon oraz miękkie buty ze skórzaną podeszwą spopularyzowane przez George'a Primrose'a. W latach 20. do butów ze skórzaną podeszwą przymocowano metalowe blaszki (krany), które wydawały głośny, ostry dźwięk na podłodze. W latach 40. i 50. tancerze tacy jak Fred Astaire, Paul Draper i Gene Kelly spopularyzowali buty do stepowania wśród szerszej publiczności za pośrednictwem hollywoodzkich filmów.
W latach pięćdziesiątych musicale takie jak Moja Damo (1956) zaskoczył publiczność licznymi zmianami kostiumów. Projektantka kostiumów Cecil Beaton stworzył kostiumy, które podkreślają przemianę Elizy, głównej bohaterki, ze zwykłego sprzedawcy kwiatów w damę z towarzystwa. W 1975 roku Michael Bennett Linia chóru otwarto na Broadwayu, a stroje do aerobiku i tańca stały się popularne na scenie iw życiu codziennym. W gamie kolorystycznej dominowały jasne neonowe odcienie w kolorze różowym, zielonym i żółtym. Taniec rajstopy, legginsy, opaski na głowę i nadgarstki rozprzestrzeniają się ze sceny na modę i odwrotnie. W 1988 roku musical Sława , inspirowany filmem i serialem telewizyjnym, otworzył się w Londynie i odzwierciedlał modę lat osiemdziesiątych, pokazując trykoty i szorty. Na początku XXI wieku musical A.R. Rahmana z Bollywood Bombaj marzenia (2002) otwarto w Londynie, a jej indyjskie kostiumy demonstrowały wpływ etniczny na scenografię.
Zobacz też taniec i moda ; Kostium baletowy ; Muzyka i moda ; Kostium teatralny.
Bibliografia
Balasescu, Aleksandrze. „Teheran Chic: islamskie chusty na głowę, projektanci mody i nowe geografie nowoczesności”. Teoria mody 7 (2003): 1.
Buonaventura, Wendy i Ibrahim Farrah. Wąż Nilu: kobiety i taniec w świecie arabskim. Northampton, Massachusetts: Interlink Publishing Group, 1994.
Burt, Ramsay. Tancerz : Ciała, Spektakl, Seksualności. Londyn i Nowy Jork: Routledge, 1995.
Carter, Aleksandro. Czytelnik Studiów Tańca Routledge. Londyn i Nowy Jork: Routledge, 1998.
Dodd, Craig. Performingowy świat tancerza. Londyn: Breslich i Foss, 1981.
jak wybielić białe ubrania, które pożółkły
Lindisfarne-Tapper, Nancy i Bruce Ingham. Języki ubioru na Bliskim Wschodzie. Surrey: Curzon, 1997.
Strong, Roy, Richard Buckle i Ivor Guest. Projektowanie dla tancerza. Londyn: Elron Press Ltd., 1981.
Zasoby internetowe
Komitet ds. Edukacji United Square Dancers of America, Inc. Broszura USDA B-018. Publikacje USDA, 1997. Dostępne od http://www.usda.org .
Institute for Historical Dance Practice (IHDP) 2004. Dostępne od http://www.historicaldance.com .
